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Créditos fotográficos : Stéphanie Davilma
Tras estudiar en La Cambre, en Bruselas, Livia Spinga se instaló en Ardèche, donde desarrolla una práctica de la cerámica en la que el material conserva la huella del gesto. Inspirada por los paisajes que la rodean y el savoir-faire alfarero, explora las lógicas del ensamblaje, la ornamentación y la transformación.
Para la inauguración de la primera boutique de Sessùn en Milán, diseñó una lámpara de araña monumental de cerámica compuesta por módulos suspendidos, dando continuidad a su exploración de la luz, los materiales y los contrastes entre el peso y la ligereza.
Nos reunimos con ella para repasar su trayectoria, sus experimentos con materiales locales y el espacio que deja a lo imprevisto en su proceso creativo.
Te graduaste en La Cambre, en Bruselas, antes de instalarte en Ardèche. ¿Nos puedes contar tu trayectoria y las etapas que han dado forma a tu trabajo actual?
Crecí en los alrededores de París, antes de estudiar artes aplicadas y escultura en Roma, París y Bruselas, donde terminé mis estudios con un máster en cerámica en La Cambre, especializado en arte contemporáneo. Al terminar la carrera, monté mi taller en Ardèche. También empecé a dar clases a tiempo parcial de diseño y artesanía. Nunca he dejado el taller, pero ese equilibrio me ha permitido seguir formándome e investigando. Mi traslado a Ardèche ha ampliado mi visión del mundo de la cerámica. Allí descubrí la cultura de la alfarería a través de encuentros, lugares y cocciones con leña. La riqueza geológica de la zona también me ha permitido desarrollar un acercamiento a los materiales diferente. Todas estas experiencias han enriquecido mi trabajo y me han llevado poco a poco a crear objetos decorativos y escultóricos.
¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración, ya sea en el arte, la artesanía o tu día a día en Ardèche?
Mis fuentes de inspiración son muchas y, de hecho, me gusta pensar en mis piezas como collages. Hago mis piezas de cerámica mezclando el lenguaje de la alfarería con formas inspiradas en las artes decorativas, la arquitectura popular y mi entorno cotidiano. Desde siempre, veo los objetos como acertijos que hay que resolver. En mi trabajo, me gusta dar pistas sobre cómo las hago. Me encantan las formas que encajan y se adaptan unas a otras; desde la perla hasta el ladrillo, pasando por la piedra o el guijarro, los módulos se acumulan en nuestros paisajes, nuestros adornos y nuestras arquitecturas desde tiempos inmemoriales. Me fascina la riqueza de sus combinaciones, así como sus propiedades funcionales y decorativas. Las formas y las uniones, que se dejan a la vista, se convierten en adornos.
Trabajas con tierra, cenizas y minerales que recoges en los alrededores de tu taller. ¿Cómo eliges esos materiales?
Mis decisiones fueron surgiendo poco a poco; fui probando cosas, experimentando. Tuve la suerte de trabajar con una geóloga, Maryse Aymes, y de conocer a ceramistas interesados en estos temas. Ardèche tiene una geología especialmente compleja, lo que me permite encontrar muchos minerales. Tengo acceso a un molino de jarras en un fablab de Ardèche, el Polinno. No sigo un proceso de recopilación sistemático ni explícito; a veces incorporo un nuevo material a mis investigaciones y exploro las combinaciones que puede producir. Con el tiempo, lo que más he hecho ha sido desarrollar una metodología sencilla, adaptada a mi ritmo de trabajo y al día a día del taller.
Pones «la vacilación, el error y el dejarse llevar» en el centro de tu trabajo. ¿Qué te aportan concretamente estos conceptos en tu proceso creativo?
Como en cualquier práctica artística, el resultado final es fruto de una serie de decisiones: mostrar u ocultar, alisar o detenerse, aclarar o conservar la huella de un gesto. Intento mantener una parte de duda y de error en lo que muestro, como una forma de burlar mis propios automatismos. Así, evito aferrarme a cualquier idea preconcebida que pudiera tener sobre mi objeto. Me gusta dejarme sorprender un poco por mi trabajo para escapar de ciertas ideas limitantes que solemos interiorizar.
Sessùn ha abierto su primera boutique en Italia, en Milán, para la que has creado unas piezas de cerámica. ¿Cómo se gestó esta colaboración y el diálogo con el universo de la marca?
Los equipos de Sessùn se pusieron en contacto conmigo. En nuestra primera conversación, hablamos de la cerámica, pero también de su deseo de encargarme un proyecto de mayor envergadura, que me ofreciera una gran libertad de diseño y fabricación. Después me pusieron en contacto con Cobalto Studio, que se encargó del diseño y la dirección artística del proyecto. Su primera propuesta para la lámpara y los tiradores de la entrada encajaba a la perfección con mi trabajo. Entonces hice varios bocetos y, en muy poco tiempo, el proyecto empezó a tomar forma. Durante unas semanas, estuve analizando todos los aspectos técnicos con los arquitectos. También coordiné la construcción de la estructura con el Atelier Feuz, un artesano del hierro forjado con el que ya había colaborado y que trabajó con rigor y sensibilidad. Después me puse con la instalación en Milán, con la ayuda de los artesanos locales, una etapa que aún era nueva para mí, pero que al final salió muy bien. Me ha gustado mucho este proyecto, sobre todo por la calidad de las conversaciones y la confianza que me han depositado unos interlocutores receptivos y exigentes.
¿Cómo te planteaste la creación de esta lámpara de araña de cerámica? ¿Cuál era tu intención en cuanto a la luz, los colores y los materiales?
Todo empezó con una propuesta de Sessùn y Cobalto Studio. Queríamos seguir desarrollando mi trabajo con lámparas de módulos de cerámica a mayor escala. Cobalto Studio me hizo una propuesta que me gustó. A partir de ahí, me puse manos a la obra: primero pasando por una etapa de dibujo y proyección de varias semanas, y luego en el taller. Para la forma general de la lámpara, partimos de un objeto tradicional: al fijar las filas de placas en la misma circunferencia y diseñar cuatro puntos de sujeción verticales, la lámpara se convierte en un simple pozo de luz. Llevo trabajando con esta plantilla de cuadros desde que estudiaba. Esta forma surge de un recuerdo de la infancia: un suelo de ladrillos sobrecocidos en un lugar donde viví. Deambulaba por ese suelo, jugaba con las líneas. Me quedé con una imagen y unas sensaciones que he reinterpretado en mi trabajo. Mi trabajo se caracteriza por el uso de una arcilla chamotada, trabajada en capas gruesas. Me gusta que mis piezas pesadas y brutas se vuelvan preciosas, especialmente gracias a un trabajo con los esmaltes pensado en matices de colores naturalistas y a una labor de texturas y huellas. Se añade una dimensión preciosa con tornillos forjados uno a uno por el Atelier Feuz Además, en este proyecto, la pesadez contrasta con la ligereza visual de las placas suspendidas.
