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Crédito fotográfico : Florian Touzet
Desde siempre, Camille Longuépée ha vivido al ritmo de las materias y los colores. Entre el legado
familiar y las experiencias personales, ha creado un universo en el que el trabajo manual se ha
convertido en un lenguaje por derecho propio. Desde sus inicios en la costura, pasando por la
creación de su marca de ropa infantil, hasta su exploración del dibujo, la pintura y la escultura, su
trayectoria es un diálogo constante con la materia, ya sea en bruto, textil o natural.
Hoy, en su taller, al que describe como un auténtico refugio creado con sus propias manos, cada
superficie, cada objeto se convierte en un campo de juego y una fuente de inspiración. Colores,
texturas, objetos antiguos y materiales reciclados se unen para crear obras en las que conviven el
instinto, la experimentación y el respeto por el medio ambiente.
Encuentro con Camille Longuépée, que nos abre las puertas de su mundo creativo, entre la memoria,
la artesanía y las visiones artísticas del futuro.
¿Puedes contarnos cómo tu trayectoria y tus experiencias te han llevado a la creación y al
trabajo con la materia?
Crecí en una familia en la que las cosas tenían valor porque tenían una historia: mi abuelo era un
apasionado coleccionista de arte, la casa estaba llena de libros, cuadros, alfombras, esculturas,
cerámicas antiguas, objetos tibetanos, persas, africanos... Íbamos a pasear por los viñedos a recoger
sílex, visitábamos ruinas... Mi otro abuelo era ingeniero y le apasionaba trabajar la madera, fabricaba
muebles, lámparas u otros objetos a mano.
Yo misma sentí muy pronto la necesidad de fabricar cosas con mis manos. Empecé por la costura,
con mi madre y mi abuela, que cosía su ropa en su vieja máquina Singer.
Con 18 años, empecé a estudiar en la Escuela Superior De Artes Aplicadas Duperré de París, en la
sección de textiles, y luego en la Escuela Superior de Artes Decorativas de París.
Fui diseñadora de vestuario para el cine durante diez años. Mientras tanto, tuve hijos y empecé a
trabajar, al mismo tiempo, en colecciones de ropa infantil de punto (jersey y tricot). Fue entonces
cuando creé mi marca, Le Petit Germain, cuya identidad se basaba en el color: mostaza, índigo,
terracota. En aquella época, estos tonos no eran muy habituales en el mundo infantil.
La marca se exportó rápidamente a todo el mundo. Llegó un momento en que se volvió demasiado
complicado gestionarla sola, así que sentí la necesidad de tomarme un descanso.
Por casualidad, tuve la oportunidad de trabajar como panadera durante un año, una experiencia que
me encantó. Al mismo tiempo, volví a dibujar, pintar y escribir: sentía la necesidad urgente de volver
a crear.
Había vivido experiencias muy intensas en los últimos años, y esta vuelta a la creación me ayudó a
reparar muchas cosas dentro de mí. Hoy en día sigue siendo un equilibrio del que no podría
prescindir.
Trabajar con la materia prima y el color me produce el mismo efecto que respirar después de una
larga apnea; el trabajo manual me da energía y me tranquiliza al mismo tiempo.
¿Qué puntos en común encuentras con el universo de Sessùn?
En primer lugar, los colores, siempre muy trabajados, ya sean sutiles o profundos. También los
materiales: vibran, tienen un «tacto» especial, a veces ligeros y fluidos, otras veces, por el contrario,
con textura y envolventes, como los bordados o los jacquards. El lugar que se le da a la artesanía,
por supuesto, es esencial. Son valores que comparto totalmente. Es fundamental, especialmente hoy
en día, mantener vivo el tejido artesanal y artístico: es muy necesario preservar el trabajo manual,
con sus imperfecciones llenas de alma e historia.
Tu taller se describe como un refugio creado por tus propias manos. ¿Cómo influye este
espacio en tu proceso creativo y en tu relación con las obras que creas?
Me cuesta mucho no intervenir en mi entorno: necesito apropiarme del espacio, convertirlo en un
lugar acogedor, marcar su individualidad, su humanidad. Poco a poco voy dando forma a los
espacios que ocupo. Esto puede consistir en fabricar una lámpara, un cabecero, un bajorrelieve con
restos de madera, un banco, una biblioteca, un fresco en una pared o incluso una puerta. En
realidad, nada me detiene: todas las superficies son para mí un campo de juego potencial.
Mi taller era una antigua agencia inmobiliaria moderna, con enlucido en la fachada, baldosas gris
oscuro, una pared roja... Fue un reto emocionante para mí rehacerlo todo, poner la primera piedra de
este nuevo espacio creativo: el enlucido, la fachada antigua, las molduras, mi propio color, el letrero,
la pintura de las baldosas del suelo, la fabricación de los muebles... ¡Me llevó semanas!
Cuando estoy en mi taller, necesito rodearme de mi universo, sumergirme en todas sus facetas:
esculturas, pinturas, dibujos, bajorrelieves en yeso, bordados textiles... Como trabajo con muchos
medios diferentes, me permite mantener una coherencia, crear puentes entre cada obra y cada
medio, que se alimentan mutuamente.
Cuáles son tus principales fuentes de inspiración y cómo se manifiestan en tu trabajo?
El universo en el que crecí obviamente me ha influido y hoy se combina con mi propia experiencia, mi
vida cotidiana y mi sensibilidad. Encuentro inspiración en todas partes: puede proceder de las
exposiciones que visito, del arte bruto, de pinturas medievales, modernas o clásicas, de la fotografía,
de la arquitectura... pero también de una luz particular, de un olor, de un sonido o de la naturaleza,
cuya perfección siempre me cautiva.
Los colores son mi principal fuente de asombro: cuando camino, voy filtrando los que percibo,
aislando los dominantes y luego los más discretos. Me recuerda al juego de los coches amarillos al
que jugábamos de niños...Estoy constantemente invadida por sensaciones y emociones que plasmo
en mi trabajo, lo que yo llamo mis «paisajes interiores», auténticas instantáneas de un estado interior.
Concedes gran importancia al instinto y a la experimentación. ¿Cómo sabes que una obra
está realmente «terminada» o que logra expresar lo que querías?
De hecho, funciono casi únicamente por instinto: nada está pensado de antemano, sigo el camino
que trazan mis manos y me dejo guiar por ellas, ya sea en la pintura, la escultura o el dibujo.
El momento en el que «terminas» una obra es a la vez delicado y delicioso. Es difícil de explicar, pero
es como un diálogo con la obra: en un momento dado, surge una armonía que me habla, calma mis sentidos y me hace decir «vale, no toco nada más». Incluso los defectos, los lugares que me
parecían inacabados, de repente parecen perfectamente integrados y todo encaja. Es como cuando
se escribe: a veces, un simple punto basta para convertirse en el punto final.
¿Cómo integras las preocupaciones ecológicas y la elección responsable de los materiales
en tu enfoque artístico?
La ecología es algo que me preocupa mucho, y eso pasa en gran parte por no desperdiciar. Lo
guardo todo, lo reciclo todo: siempre empiezo por utilizar lo que tengo a mi alrededor, hasta el último
trozo de hilo, que integro en bordados, o el más mínimo trozo de madera, que utilizo para
bajorrelieves. Incluso tengo lanas que datan de mi bisabuela, que deshizo jerséis antiguos.
Mis esculturas de madera, y por lo tanto los candelabros-esculturas realizados para Sessùn, están
hechos con madera que recojo en el bosque, que esculpo, que tallo y que combino con objetos
antiguos: pipas antiguas, trozos de muebles que reelaboro, restos de piel, elementos naturales
recogidos durante mis paseos, limones secos, nueces...
Las telas que utilizo para mis pinturas o bordados proceden de textiles de segunda mano, a menudo
imperfectos, y, de nuevo, guardo cada pequeño trozo, que reutilizo para cortinas, colchas o manteles.
Compro el mínimo de material, excepto quizás la pintura... y aun así, hace poco utilicé pigmentos que
encontré en el ático: ¡todavía tenían sus etiquetas antiguas, que databan de los años 20!
¿Cuáles son tus proyectos futuros, tus ambiciones y la dirección en la que deseas
desarrollar tu arte?
Estoy preparando una exposición en la galería Wilo & Grove para marzo. También tengo previstas
algunas intervenciones en arquitectura de interiores, en particular para una importante base de mesa
de madera que voy a esculpir. Las intervenciones de este tipo, como los bajorrelieves o los frescos,
me interesan particularmente, ya que combinan arte y artesanía, se integran en la vida cotidiana y
forman parte de la vida de las personas. Para mí también es una oportunidad para explorar nuevas
escalas y formatos mucho más imponentes: trabajar a gran escala es un paso que quiero dar.
Buscar nuevos materiales con los que trabajar, en bruto, procedentes directamente de la naturaleza
que me rodea, fabricarme un horno de cerámica, experimentar... Siempre.
